Las 11 Mejores Películas De Terror De Autor

2024 Autor: Francis Oldridge | [email protected]. Última modificación: 2023-12-16 20:38

Los asesinos y las películas de tortura están muy bien, pero a veces tu cerebro está buscando algo más que un derramamiento de sangre desenfrenado en la película de Halloween.

Es un hecho lamentable de la crítica cinematográfica que el terror sea probablemente el género más infravalorado de todos. Con frecuencia consideradas de mala calidad por los cinéfilos y casi completamente ignoradas por la Academia, las películas de terror generalmente se consideran emociones baratas para los espectadores sádicos.

Académicos y académicos han intentado en repetidas ocasiones salvar el horror de su mala reputación señalando los motivos feministas latentes en todo el género y señalando las aspiraciones de vanguardia de incluso las películas con el mínimo común denominador. Mientras tanto, los verdaderos autores suelen buscar inspiración en el horror y han desarrollado algunas de sus mejores creaciones mientras exploran la oscuridad interior.

Con esto en mente, hemos seleccionado una lista de cines de autor menos apreciados para los fanáticos del terror más aventureros.

(Advertencia de contenido: todas las películas a continuación representan violencia física y sexual extrema).

Crudo (2016)

Las películas de terror dirigidas por mujeres son, lamentablemente, pocas y distantes debido al sexismo desenfrenado de la industria cinematográfica, pero es obvio para cualquiera que sepa que las mujeres han contribuido tanto o más que los hombres al género. Raw, la obra maestra de terror melodramático del director francés JuliDucournau, es un ejemplo de dominio total sobre el género: ambientada en una escuela veterinaria surrealista y futurista, dos hermanas luchan contra sus inexplicables impulsos caníbales. Aunque la premisa es salvaje, la historia es escalofriantemente discreta y reflexiva: ¿la genética de las niñas las ha condenado a convertirse en wendigos, o es una metáfora de la interconexión desafortunada e inextricable que todos tenemos con nuestras familias?

Clímax (2018)

El director Gaspar Noé se hizo conocido por sus exploraciones psicodélicas de la muerte en películas como Enter the Void e Irreversible. Climax utiliza gran parte del mismo trabajo de cámara y las paletas de colores excéntricas de sus trabajos anteriores, pero abandona el pretexto filosófico, lo que hace que esta película sea mucho menos pretenciosa. La premisa: la compañía francesa de danza contemporánea de bailarines de salón y breakdance está celebrando la última noche antes de una gran actuación cuando alguien vierte demasiado ácido en las bebidas de todos. La compañía comienza a volverse loca mientras practica sus rutinas por última vez. Entonces, estalla la violencia, con la banda sonora de la música house francesa que golpea el bajo. Son los cuerpos de los bailarines, que se retuercen, giran y se sumergen en el olvido, los que proporcionan el telón de fondo inquietante sobre el que se trasponen las rupturas totales de los protagonistas.

Anticristo (2009)

El director Lars Von Trier ciertamente se ha vuelto loco con su producción cinematográfica más reciente, pero Antichrist sigue siendo una mirada profundamente inquietante tanto al nihilismo extremo como a la psicosis depresiva. Charlotte Gainsbourg y Willam DeFoe interpretan a una pareja casada cuyo hijo ha muerto trágicamente. Se retiran a una tranquila cabaña en el bosque donde comienzan a contemplar la naturaleza del mal. Queda claro que ninguno de los dos tuvo realmente un fuerte control sobre la realidad, y comienzan a mutilarse, literalmente, a medida que su cordura se deshace. La tesis de Von Trier es que, en última instancia, la existencia humana es intrínsecamente odiosa y repugnante, como lo es esta película. Pero también es tremendamente hermoso, de la manera más extraña y triste.

Inland Empire (2006)

La cosmología oscura e inescrutable de David Lynch se lleva a su conclusión lógica con su último largometraje. Esta pesadilla no narrativa de más de 3 horas comienza con LaurDern, interpretando a una actriz que puede o no estar perdiendo la cabeza, descubriendo accidentalmente una maldición. Lo que sucede a partir de ahí no es exactamente explicable, pero ciertamente es horrible. ¿Está interpretando a varios personajes o tiene varias personalidades? ¿Tiene un ataque de nervios o la realidad se desmorona a su alrededor? Confusamente intercaladas en las películas están las escenas de los Rabbits surrealistas y anticomedia abandonados de Lynch, durante los cuales los conejitos humanoides hablan en clichés inconexos e incoherentes junto con una pista de risa desconcertante. La cinematografía de Lynch permanece oscuramente exuberante en todo momento, a pesar de que los eventos reales representados son completamente incoherentes. Es profundamente aterrador y, de alguna manera, también bastante espiritual.

Suicide Club, o Suicide Circle (2001) + Mesa de cena de Noriko (2006)

Durante algún tiempo, la tasa de suicidios de Japón fue una de las más altas del mundo desarrollado, pero debido a los tabúes culturales, el tema siguió siendo poco explorado tanto en las investigaciones psicológicas como artísticas. Suicide Club generó controversia al abordar el tema de frente. En esta obra maestra de ensueño, el director Sion Sono explora una especie de historia de fantasmas grotesca y paranoica cultural omnipresente superpuesta a la conspiración de la cultura pop. La primera secuencia de la película, en la que toda una clase de colegialas salta frente a un tren en movimiento al ritmo del pop urbano optimista, es de alguna manera hilarante y traumática. Definitivamente hay algo cursi en la película, incluso hay un número musical con inflexión de Rocky Horror colocado justo en el medio, pero la historia se desenvuelve en algo mucho más siniestro al final.

Dinner Table de Noriko, que sirve como secuela y precuela de Suicide Club, abandona por completo el humor de su predecesor. La película explora el dolor que siente la familia de una de las niñas de la escena inicial de la primera película. A través de una oscura agencia, contratan a una joven actriz para que interprete a su hija en las cenas porque la extrañan profundamente. Pero mientras lloran, su dolor se vuelve cada vez más delirante hasta que se revela que quizás las organizaciones criminales clandestinas y apocalípticas fueron las culpables desde el principio. Continuación verdaderamente retorcida de la historia de Suicide Club, Noriko's Dinner Table es una meditación seriamente mórbida sobre cómo el duelo puede hacer que alguien se sienta totalmente esquizofrénico.

La celda (2000)

No dejes que los cabezas de cartel de la película (Jennifer Lopez y Vince Vaughn) te engañen haciéndote pensar que esto es una tontería. The Cell es una película de terror glamorosa vestida por la legendaria Eiko Ishiok (a menudo conocida por su alta costura hecha a medida que usa con frecuencia Bjork). El director Tarsem Singh tomó un guión bastante suave de ciencia ficción / terror sobre un psicólogo que viaja a través de la mente de un asesino en serie y lo convirtió en un experimento de vanguardia a través de un diseño de producción opulento y una imaginación gótica exquisita inspirada en artistas como Trent Reznor, Odd Nerdrum y Damien Hirst. Es una pena que tantas películas de terror carezcan de este tipo de estilo visual meticuloso e imaginación, ya que las imágenes atractivas pueden convertir incluso las historias más banales en fantasías fascinantes.

Videodrome (1983)

Cuando un ejecutivo de televisión deshonesto que se especializa en material sensacional descubre una estación subterránea que reproduce videos de mujeres brutalizadas, desciende a una confusa subcultura secreta llena de sadomasoquismo. Las cosas se ponen más raras a medida que su cuerpo comienza a transformarse en algo inhumano, hasta que desarrolla un reproductor de VHS / vagina en su estómago. Si la descripción suena peculiar, la película en sí es aún más inquietante. Cronenberg actualiza el horror lovecraftiano mezclándolo con la filosofía baudrillardiana y el resultado es precisamente tan desorientador como suena.

Otto, o Up With Dead People (2008)

El pornógrafo gay Bruce LaBruce generalmente trabaja en el medio de la erótica, a menudo volviendo los tropos de las películas azules en sus cabezas: artistas que recitan el Manifiesto Comunista mientras tienen sexo, o exploraciones apasionadas de los cuerpos desnudos de los neonazis. Sus entradas en el horror son extrañas y muy sexualizadas, pero Otto también es extrañamente dulce. En él, el homónimo zombi gay deambula por terrenos baldíos hasta que conoce a un dúo de cineastas de vanguardia que eligieron al héroe no muerto como su protagonista. ¿Puede frenar su adicción a la carne humana, o su zombieismo es solo una metáfora de la soledad de la identidad gay? Con música proporcionada por Cocorosie, Otto traspasa los límites de la pornografía y el horror; no es de extrañar que el director fuera destacado en MoMretrospective solo unos años después del debut de esta película.

Diente de perro (2009)

El retrato familiar salió terriblemente mal: ¿qué sucede cuando un padre controlador y violento mantiene a sus hijos encerrados lejos del mundo y les alimenta años de desinformación sobre lo que sucede afuera? ¿Y luego qué sucede cuando esos niños comienzan a descubrir el sexo? Lo que aparece en momentos como un mundo nuclear pacífico, aunque algo poco convencional, está marcado por arrebatos de extrema crueldad. También hay un puñado de momentos verdaderamente cómicos: ¿cómo se ve el baile si nunca has visto a nadie hacerlo? No está claro qué mensaje moral estaba tratando de expresar el director Yorgos Lanthimos con este espantoso poema visual: ¿Es una advertencia sobre la hostilidad inherente a la paternidad? rechazo de las prácticas procreadoras heterosexuales? La película fue aclamada por la crítica y nominada a un Oscar, una rareza extrema en lo que respecta al cine griego, pero no ganó. La Academia probablemente quería algo menos… desconcertante.

Salò, o los 120 días de Sodoma AK 120 Días de Sodoma de Pasolini (1975)

El muy respetado director italiano Pierre Pasolini se aventuró en las profundidades de la crueldad humana con su adaptación de los 120 días de Sodoma del marqués de Sade. En su reinterpretación, las indignidades descritas en el libro se trasplantan al mundo de la Italia ocupada por los fascistas. La locura toma el control cuando un grupo de libertinos malvados secuestra a hombres y mujeres jóvenes para usarlos como objetos de su malicia sexual. La película es en su mayoría una marcha incesante de escenas de tortura, intercaladas con oscuras fantasías surrealistas: la preocupante contemplación de las profundidades del mal y la política sexual del autoritarismo. Aunque con frecuencia (y comprensiblemente) se considera completamente imposible de ver, la película enfrentó un resurgimiento crítico después de que el director John Waters la describiera como su favorita personal.