Revisitando álbumes Clásicos: Head Hunters De Herbie Hancock Es Jazz Embriagador Para Las Masas

2024 Autor: Francis Oldridge | [email protected]. Última modificación: 2023-12-16 20:38

La primera vez que escuché a Head Hunters en su totalidad fue en mi segundo año de universidad como parte del curso de historia del jazz. El concepto de escuchar una grabación de principio a fin, sin discusión, y obtener crédito en el proceso era bastante intrigante. Eran mucho antes de las ocho de la mañana y el álbum todavía me destrozaba la mente. Lo he estado escuchando desde entonces y, como cualquier buena composición artística, Head Hunters ofrece algo nuevo con cada giro.

Lanzado a finales de 1973, el álbum fue el duodécimo esfuerzo de estudio del ya establecido Hancock. El músico nacido en Chicago acaba de terminar un trío de álbumes (a menudo llamado su era "Mwandishi") que fueron especialmente impulsados por la improvisación. Estaba buscando reorganizarse en la música, dejando los sonidos de jazz más espaciosos por los que se había hecho famoso en favor de algo más arraigado; incluso primitivo.

Por contexto, este era el ajetreado erudito musical de los dioses de la guitarra y los herreros folclóricos. De potencias del R&B como Marvin Gaye y leyendas del funk como Stevie Wonder y Sly & the Family Stone. El jazz se estaba volviendo aún más lejano, gracias a los nuevos efectos e instrumentación, así como al deseo mental colectivo de escapar. Después de todo, Nixon estaba mostrando signos obvios de villanía y la guerra aparentemente interminable en Vietnam continuaba.

En San Francisco, Hancock reunió un sexteto sumamente talentoso para el álbum, trayendo varias caras nuevas. Eligió reemplazar en gran medida la guitarra con el clavinet y conectó una sección de ritmo talentoso. Hancock controla las teclas del sintetizador en todo momento, llevando las cuatro canciones dinámicas del disco a lugares donde los álbumes conceptuales completos de más de diez pistas rara vez llegan. El diálogo de sus claves es articulado y puntual, de principio a fin. Si el vocalista principal dueño de un escenario alguna vez asumiera la forma y el sonido de un piano eléctrico, esto sería todo.

La pista de apertura, "Chameleon", tiene una de las líneas de bajo más masticables que existen. Es uno de los muchos ganchos colosales del disco, que se combinan para formar un tema vital: ese jazz embriagador se puede presentar a las masas, lleno de innumerables puntos de entrada. Ese gancho forma la columna vertebral de una canción tremenda y llena de ritmo que en la marca de los cinco minutos ya se está superando a sí misma con una improvisación deslumbrante y cambios de clave sutiles. Fijado a un riff central funky pero con visión de futuro en su meandro sónico, la primera mitad de la pista es como un animal salvaje encantador con una correa el tiempo suficiente para lograr un buen sprint.

La segunda mitad de la pista es lounge gold, con teclas centelleantes, percusión inquieta y ricos elementos sinfónicos. El ritmo sigue ahí, pero está vaporizado. El ritmo central se vuelve fluido, vadeando en jazz suave, funk y pequeños éxitos de música de cámara experimental de mentalidad clásica, solo para reaparecer justo antes del final de la pista para recordarte su absoluto dominio.

"Watermelon Man" se abre con una línea al estilo jug band que desde entonces se ha convertido en legendaria. El compañero de banda Bill Simmers sopla en una botella de cerveza, buscando imitar los sonidos tradicionales de Zaire (música pigmea en particular). Preste atención a la densidad de la sección de ritmo cuando cae, la alegría de las teclas de Hancock y los muchos cuernos que entran y salen de la pista con indiferencia. La instrumentación se ha comparado con la naturaleza percusiva de un círculo de tambores africanos, donde cada individuo juega su propio papel distintivo. Y al igual que la canción de apertura, la pista tiene un ritmo increíblemente embriagador.

Entonces, el álbum exhala audiblemente. La pista “Sly” está dedicada al hombre mismo, encajando cuando Hancock se vuelve funky y parecido a una guitarra con muchas de sus interjecciones. La sección de metales conmovedora pulsa junto a las manos veloces del baterista Harvey Mason. A veces, suena como un himno de funk-rock viajando a gran velocidad. Según el tema del álbum, hay innovación en los solos exploratorios, pero todo se basa en una base extremadamente rítmica. La banda suena apagada, flexionando sus chuletas individuales vispeed frases.

El álbum termina con “Vein Melter”, un número lleno de tensión que coquetea con el orden y el desorden. Está el refinado redoble de tambores de mentalidad militar, junto a las teclas vibrantes de Hancock. Hay una calidad cinematográfica en las ondas de sonido de fondo, a menudo dirigidas por el clarinete bajo. Si hubiera Fantasivignette en un café al aire libre en alguna llanura desértica, esta sería la banda sonora. Pronto, simplemente deja de respirar, con unos últimos golpes de percusión para indicar el final.

Head Hunters pasaría a ser sampleado por todos, desde Beck y Madonnto, George Michael, Coolio y más. Es el primer álbum de jazz en obtener platino y está reconocido por la Biblioteca del Congreso en el Registro Nacional de Grabaciones por sus múltiples méritos culturales. Y es ampliamente y merecidamente aclamado como un momento de marca de agua en el ámbito innovador del jazz fusión, algo que Hancock prácticamente definió.

Dale vueltas y piérdete durante 42 minutos.